צילום: באדיבות Naturhistorisches Museum

הפסל שלך בתולדות האמנות, הפסלון הקטנטן הזה בגובה של קצת יותר מארבעה סנטימטרים התגלה באוסטריה בשנת 1908. אף אחד לא יודע איזה תפקיד הוא שימש, אבל הניחוש נע בין אלת פוריות לסיוע באוננות. כמה חוקרים טוענים כי ייתכן שזה היה דיוקן עצמי שנעשה על ידי אישה. זה המפורסם ביותר מבין חפצים כאלה המתוארכים לתקופת האבן העתיקה.

צילום: באדיבות CC/Wiki Media/Philip Pikart

דיוקן זה היה סמל ליופי נשי מאז נחשף לראשונה בשנת 1912 בתוך חורבות עמארנה, עיר הבירה שנבנתה על ידי פרעה השנוי ביותר במחלוקת בהיסטוריה המצרית העתיקה: אחנאטן. חייה של מלכתו, נפרטיטי, הם משהו מסתורי: נהוג לחשוב שהיא שלטה כפרעה זמן מה לאחר מותו של אחנאטן - או יותר סביר, כיורש העצר של הנער המלך תותנקאמון. איזה אגיפטולוג מאמין שהיא הייתה בעצם אמו של תות. פסל גיר זה מצופה טיח נחשב כמעשה ידיו של תחותמס, פסל החצר של אחנאטן.

צילום: באדיבות CC/Wikimedia Commons/Maros M raz

צבא הטרקוטה, שהתגלה ב-1974, הוא מטמון עצום של פסלי חרס הקבורים בשלושה בורות ענקיים ליד קברו של שי הואנג, הקיסר הראשון של סין, שמת בשנת 210 לפני הספירה. נועד להגן עליו בחיים שלאחר המוות, מאמינים שהצבא מונה יותר מ-8,000 חיילים יחד עם 670 סוסים ו-130 מרכבות. כל אחד מהם הוא בגודל טבעי, אם כי הגובה בפועל משתנה בהתאם לדרגה הצבאית.

צילום: באדיבות CC/Wiki Media/LivioAndronico

אולי הפסל המפורסם ביותר של העת העתיקה הרומית,לאוקון ובניונחשף במקור ברומא בשנת 1506 ועבר לוותיקן, שם הוא שוכן עד היום. הוא מבוסס על המיתוס של כומר טרויאני שנהרג יחד עם בניו על ידי נחשי ים שנשלחו על ידי אל הים פוסידון כגמול על הניסיון של לאוקון לחשוף את תחבולת הסוס הטרויאני. הותקן במקור בארמונו של הקיסר טיטוס, קיבוץ פיגורטיבי זה בגודל טבעי, המיוחס לשלישיית פסלים יוונים מהאי רודוס, ללא תחרות כמחקר של סבל אנושי.

צילום: באדיבות CC/Wikimedia/Livioandronico2013

אחת היצירות האיקוניות ביותר בכל תולדות האמנות, דוד של מיכלאנג'לו מקורה בפרויקט גדול יותר לקשט את משענות הקתדרלה הגדולה של פירנצה, הדואומו, בקבוצת דמויות שנלקחו מהברית הישנה. הדודהיה אחד, ולמעשה התחיל בשנת 1464 על ידי אגוסטינו די דוקיו. במהלך השנתיים הבאות, אגוסטינו הצליח לגרש חלק מגוש השיש הענק שנחצב מהמחצבה המפורסמת בקאררה לפני שעצר ב-1466. (אף אחד לא יודע למה). אמן אחר הרים את הפה, אבל גם הוא רק עבד על זה בקצרה. השיש נותר ללא פגע במשך 25 השנים הבאות, עד שמיכלאנג'לו חידש לגלף אותו בשנת 1501. הוא היה אז בן 26. בסיום, שקל הדוד שישה טון, כלומר לא ניתן היה להרים אותו לגג הקתדרלה. במקום זאת, הוא הוצג ממש מחוץ לכניסה ל-Palazzo Vecchio, בית העירייה של פירנצה. הדמות, אחת הזיקוקים הטהורים ביותר של סגנון הרנסנס הגבוה, אומצה מיד על ידי הציבור הפלורנטיני כסמל להתנגדות העיר-מדינה עצמה נגד המעצמות המוצבות נגדה. בשנת 1873, הדודהועבר לגלריה אקדמיה, ובמיקומה המקורי הותקן העתק.

צילום: באדיבות CC/Wiki Media/Alvesgaspar

ג'אן לורנצו ברניני, שהוכר כמקורו של סגנון הבארוק הרומי הגבוה, יצר את יצירת המופת הזו עבור קפלה בכנסיית סנטה מריה דלה ויטוריה. הבארוק היה קשור קשר בל יינתק לרפורמציה הנגדית שבאמצעותה ניסתה הכנסייה הקתולית לבלום את גל הפרוטסטנטיות הגואה ברחבי אירופה של המאה ה-17. יצירות אמנות כמו זו של ברניני היו חלק מהתוכנית לאשש מחדש את הדוגמת האפיפיור, ששרתה כאן היטב על ידי הגאונות של ברניני על כך שהחדיר לסצנות דתיות נרטיבים דרמטיים.אֶקסְטָזָההוא מקרה נקודתי: הנושא שלו - הקדושה תרזה מאווילה, נזירה ומיסטיקנית כרמלית ספרדית שכתבה על המפגש שלה עם מלאך - מתואר בדיוק כשהמלאך עומד לצלול חץ בליבה.אֶקסְטָזָההגוונים האירוטיים של הנזירה אינם ניתנים לטעות, בעיקר בביטוי האורגזמי של הנזירה ובבד המתפתל העוטף את שתי הדמויות. ברניני, אדריכל כמו כל אמן, עיצב גם את התפאורה של הקפלה בשיש, טיח וצבע.

צילום: באדיבות מוזיאון המטרופוליטן לאמנות/קרן פלטשר

האמן האיטלקי אנטוניו קנובה (1757–1822) נחשב לגדול הפסל של המאה ה-18. עבודתו תמצה את הסגנון הניאו-קלאסי, כפי שניתן לראות בביצוע שלו בשיש של הגיבור המיתולוגי היווני פרסאוס. קנובה יצרה למעשה שתי גרסאות של היצירה: האחת מתגוררת בוותיקן ברומא, ואילו השנייה עומדת בבית המשפט לפיסול אירופי של מוזיאון המטרופוליטן לאמנות.

צילום: מוזיאון המטרופוליטן לאמנות

בעוד המאסטר האימפרסיוניסטי אדגר דגה ידוע בעיקר כצייר, הוא עבד גם בפיסול, והפיק את מה שהיה ללא ספק המאמץ הקיצוני ביותר ביצירתו. דגה מעוצבהרקדנית הקטנה בת ארבע עשרהמתוך שעווה (שממנה נוצקו עותקי ברונזה לאחר מותו ב-1917), אך העובדה שדגה הלביש את נושאו המכונה בתחפושת בלט ממשית (שמלאה עם מחוך, טוטו ונעלי בית) ופאה משיער אמיתי עוררה תחושה כאשררַקדָןהופיע לראשונה בתערוכה האימפרסיוניסטית השישית של 1881 בפריז. דגה בחר לכסות את רוב הקישוטים שלו בשעווה כדי להתאים לשאר תווי הנערה, אבל הוא שמר על הטוטו, כמו גם סרט שקושר את שערה, כפי שהיו, מה שהופך את הדמות לאחת הדוגמאות הראשונות של חפץ שנמצא. אָמָנוּת.רַקדָןהיה הפסל היחיד שדגה הציג בחייו; לאחר מותו, נמצאו עוד כ-156 דוגמאות דוממות בסטודיו שלו.

צילום: באדיבות מוזיאון פילדלפיה לאמנות

בעוד שרוב האנשים מקשרים את הפסל הצרפתי הגדול אוגוסט רודן עםההוגה, אנסמבל זה המנציח תקרית במהלך מלחמת מאה השנים (1337–1453) בין בריטניה לצרפת חשוב יותר להיסטוריה של הפיסול. הוזמן עבור פארק בעיר קאלה (שם הוסר מצור שנמשך שנה על ידי האנגלים ב-1346 כאשר שישה זקני עיירה הציעו את עצמם להורג בתמורה לחוסך על האוכלוסייה),הבורגריםהתחמק מהפורמט האופייני למונומנטים באותה תקופה: במקום דמויות מבודדות או נערמות לפירמידה על גבי כן גבוה, רודן הרכיב את הנושאים שלו בגודל טבעי ישירות על הקרקע, ברמה עם הצופה. המהלך הרדיקלי הזה לעבר ריאליזם פרץ עם היחס ההירואי שניתן בדרך כלל לעבודות חוצות כאלה. עִםהבורגרים, רודן עשה את אחד הצעדים הראשונים לקראת הפיסול המודרני.

צילום: באדיבות CC/Flickr/Wally Gobetz

בשנת 1912, פיקאסו יצר מקט קרטון של יצירה שתהיה לה השפעה גדולה על אמנות המאה ה-20. גם באוסף של MoMA, הוא תיאר גיטרה, נושא שפיקסו חקר לעתים קרובות בציור ובקולאז', ומבחינות רבות,גִיטָרָההעביר את טכניקות החיתוך וההדבק של קולאז' מדו מימד לשלושה. זה עשה את אותו הדבר גם לקוביזם, על ידי הרכבת צורות שטוחות ליצירת צורה רב-גונית עם עומק ונפח כאחד. החידוש של פיקאסו היה להימנע מהגילוף והדגמים המקובלים של פסל מתוך מסה מוצקה. במקום זאת,גִיטָרָההיה מהודק יחד כמו מבנה. רעיון זה יהדהד מהקונסטרוקטיביזם הרוסי אל המינימליזם והלאה. שנתיים לאחר ביצוע הגִיטָרָהבקרטון, פיקאסו יצר את הגרסה הזו בפח חתוך

צילום: מוזיאון המטרופוליטן לאמנות

מההתחלה הרדיקלית שלו ועד לגלגולו הפשיסטי האחרון, הפוטוריזם האיטלקי זעזע את העולם, אבל אף יצירה אחת לא הדגימה את ההזיה הצרופה של התנועה מאשר הפסל הזה באחד מהאורות המובילים שלו: אומברטו בוצ'וני. בתחילת דרכו כצייר, פנה בוצ'וני לעבודה בתלת מימד לאחר מסע לפריז ב-1913, בו סייר בסטודיום של כמה פסלים אוונגרדיים מהתקופה, כמו קונסטנטין ברנקוזי, ריימונד דושאן-ויון ואלכסנדר ארצ'פנקו. בוצ'וני סינתזה את רעיונותיהם ליצירת מופת דינמית זו, המתארת ​​דמות צועדת הממוקמת ב"רציפות סינתטית" של תנועה כפי שתיאר אותה בוצ'וני. היצירה נוצרה במקור בגבס ולא נוצקה בגרסת הברונזה המוכרת שלה עד 1931, הרבה לאחר מותו של האמן ב-1916 כחבר בגדוד ארטילריה איטלקי במהלך מלחמת העולם הראשונה.

צילום: באדיבות CC/Flickr/Steve Guttman NYC

ברנקוזי, יליד רומניה, היה אחד מהפסלים החשובים ביותר של המודרניזם של תחילת המאה ה-20 - ואכן, אחת הדמויות החשובות בכל ההיסטוריה של הפיסול. מעין פרוטו מינימליסטי, ברנקוזי לקח צורות מהטבע וייעל אותן לייצוגים מופשטים. סגנונו הושפע מהאמנות העממית של מולדתו, שהציגה לעתים קרובות דוגמאות גיאומטריות תוססות ומוטיבים מסוגננים. הוא גם לא הבחין בין אובייקט לבסיס, והתייחס אליהם, במקרים מסוימים, כמרכיבים הניתנים להחלפה - גישה שייצגה שבירה מכרעת עם מסורות פיסוליות. היצירה האיקונית הזו היא דיוקן של הדוגמנית ומאהבתו, מרגיט פוגני, סטודנטית הונגרית לאמנות שפגש בפריז ב-1910. האיטרציה הראשונה נחצבה בשיש, ואחריה עותק גבס שממנו עשוי הברונזה הזו. הטיח עצמו הוצג בניו יורק בתערוכת הנשק האגדית של 1913, שם לעגו לו המבקרים והתנכלו לו. אבל זה היה גם היצירה המשוכפלת ביותר בתוכנית. ברנקוזי עבד על גרסאות שונות שלMlle Poganyבמשך כ-20 שנה.

צילום: באדיבות המוזיאון לאמנות מודרנית

גלגל אופנייםנחשב לראשון מהרדימיידים המהפכניים של דושאן. עם זאת, כשהשלים את היצירה בסטודיו שלו בפריז, לא היה לו באמת מושג איך לקרוא לזה. "היה לי רעיון משמח להדק גלגל אופניים לשרפרף מטבח ולראות אותו מסתובב", אמר דושאן מאוחר יותר. נדרשה נסיעה לניו יורק ב-1915, וחשיפה לתפוקה העצומה של סחורות שנבנו במפעל, עד שדושאן מצא את המונח המוכן. חשוב מכך, הוא החל לראות שיצירת אמנות בעבודת יד מסורתית נראתה חסרת טעם בעידן התעשייתי. למה לטרוח, הוא טען, כאשר פריטים מיוצרים זמינים רבים יכולים לעשות את העבודה. עבור דושאן, הרעיון מאחורי היצירה היה חשוב יותר מאיך שהיא נוצרה. רעיון זה - אולי הדוגמה האמיתית הראשונה לאמנות מושגית - ישנה לחלוטין את תולדות האמנות קדימה. עם זאת, בדומה לחפץ ביתי רגיל, המקורגלגל אופנייםלא שרד: גרסה זו היא למעשה העתק משנת 1951.

צילום: מוזיאון וויטני לאמנות אמריקאית, © 2019 Calder Foundation, New York/Artists Rights Society (ARS), ניו יורק

מתקן אהוב באוסף הקבוע של מוזיאון וויטני,הקרקס של קלדרמזקק את המהות המשובבת שאלכסנדר קלדר (1898–1976) הביא לידי ביטוי כאמן שעזר לעצב את הפסל ה-20.קִרקָס, שנוצר בתקופתו של האמן בפריז, היה פחות מופשט מה"ניידים" התלויים שלו, אבל בדרכו שלו, הוא היה קינטי באותה מידה: עשוי בעיקר מחוט ועץ,קִרקָסשימש כמרכז למופעי אימפרוביזציה, שבהם הסתובב קלדר בדמויות שונות המתארות מעוותים, בולעי חרבות, מאלפי אריות וכו', כמו מסטר אלים.

צילום: באדיבות מוזיאון ג'יי פול גטי

כצייר ומעצב שטיחי קיר כמו גם כפסל, ניתן לתאר בצורה הטובה ביותר את האמן הצרפתי אריסטיד מאילול (1861–1944) כניאו-קלאסיציסט מודרני ששם ספין יעיל של המאה ה-20 לפסל היווני-רומי המסורתי. אפשר גם לתאר אותו כשמרן רדיקלי, אם כי יש לזכור שאפילו בני זמננו אוונגרד כמו פיקאסו הפיקו יצירות בעיבוד לסגנון ניאו-קלאסי לאחר מלחמת העולם הראשונה. הנושא של מיילול היה העירום הנשי, ובמִרבָּץ, הוא יצר ניגוד בין המסה החומרית של הנושא שלו, לבין האופן שבו היא נראית כמרחפת בחלל - מאזנת, כביכול, פיזיות עיקשת עם נוכחות חולפת.

צילום: באדיבות CC/Flickr/C-Monster

אמנית יפנית שעובדת במגוון מדיומים, קוסמה הגיעה לניו יורק ב-1957 וחזרה ליפן ב-1972. בינתיים, היא ביססה את עצמה כדמות מרכזית בסצנת המרכז, כזו שאמנותה נגעה בבסיסים רבים, כולל פופ ארט, מינימליזם ואמנות מיצג. כאמנית שהתייחסה לעתים קרובות למיניות נשית, היא גם הייתה מבשרת של אמנות פמיניסטית. עבודתה של קוסמה מאופיינת לעתים קרובות בדפוסי הזיה וחזרות על צורות, נטייה המושרשת בתנאים פסיכולוגיים מסוימים - הזיות, OCD - היא סבלה מאז ילדותה. כל ההיבטים הללו של אמנות וחייו של קוסומה באים לידי ביטוי בעבודה זו, שבה כיסא נוח רגיל ומרופד נתון בצורה מטרידה בהתפרצות דמוית מגיפה של בליטות פאליות עשויות בד ממולא תפור.

צילום: Whitney Museum of American Art, New York, © 2019 Estate of Marisol/Albright-Knox Art Gallery/Artists Rights Society (ARS), ניו יורק

ידועה בפשטות בשמה הפרטי, מריסול אסקובר (1930–2016) נולדה בפריז להורים בוונצואלה. כאמנית, היא נקשרה לפופ ארט ומאוחר יותר לאופ ארט, אם כי מבחינה סגנונית, היא לא השתייכה לאף אחת מהקבוצות. במקום זאת, היא יצרה טבלאות פיגורטיביות שנועדו כסאטירות פמיניסטיות של תפקידי מגדר, סלבריטי ועושר. בנשים וכלבהיא לוקחת על עצמה את החפצה של נשים, ואת האופן שבו משתמשים בסטנדרטים של נשיות שנכפו על ידי גברים כדי לאלץ אותן להתאים.

צילום: באדיבות CC/Flickr/Rocor

תיבת ברילו היא אולי הידועה ביותר מבין סדרת יצירות פיסול שיצר וורהול באמצע שנות ה-60, שלמעשה לקחה את חקירתו על תרבות הפופ לתלת מימד. נאמן לשם נתן וורהול לסטודיו שלו - המפעל - האמן שכר נגרים לעבוד מעין פס ייצור, המסמר קופסאות עץ בצורת קרטונים למוצרים שונים, כולל היינץ קטשופ, פתיתי הקורן של קלוג ומרק קמפבל, כמו ובכן כריות סבון של ברילו. לאחר מכן הוא צבע כל קופסה בצבע התואם למקור (לבן במקרה של ברילו) לפני שהוסיף את שם המוצר והלוגו בהדפס משי. הקופסאות, שנוצרו בכפולות, הוצגו לעתים קרובות בערימות גדולות, והפכו למעשה כל גלריה שבה הם היו לפקסימיליה תרבותית גבוהה של מחסן. הצורה וההפקה הסדרתית שלהם היו אולי קריצה ל-או פרודיה על הסגנון המינימליסטי שהתחיל אז. אבל הנקודה האמיתית שלקופסת ברילוהוא כיצד הקירוב שלו לדבר האמיתי מערער את המוסכמות האמנותיות, בכך שהוא רומז שאין הבדל אמיתי בין מוצרים מיוצרים לעבודה מסטודיו של אמן.

צילום: באדיבות CC/Flickr/Esther Westerveld

שמו של דונלד ג'אד הוא שם נרדף לאמנות מינימלית, התנועה של אמצע שנות ה-60 שזיקקה את הזרם הרציונליסטי של המודרניזם לחיוניות. עבור ג'אד, פיסול פירושו לבטא את הנוכחות הקונקרטית של העבודה בחלל. רעיון זה תואר על ידי המונח "אובייקט ספציפי", ובעוד מינימליסטים אחרים אימצו אותו, ג'אד נתן לרעיון את הביטוי הטהור ביותר שלו על ידי אימוץ התיבה כצורת החתימה שלו. כמו וורהול, הוא ייצר אותם כיחידות חוזרות, תוך שימוש בחומרים ושיטות שהושאלו מייצור תעשייתי. בניגוד לפחיות המרק ולמרילין של וורהול, האמנות של ג'אד התייחסה לשום דבר מחוץ לעצמה. ה"ערימות" שלו הן בין היצירות המוכרות ביותר שלו. כל אחת מהן מורכבת מקבוצת קופסאות רדודות זהות עשויות מתכת מגולוונת, בולטות מהקיר ליצירת עמוד של אלמנטים ברווח שווה. אבל ג'אד, שהחל את דרכו כצייר, התעניין בצבע ובמרקם באותה מידה שהוא היה מעוניין בצורה, כפי שניתן לראות כאן על ידי לכה אוטומטית בגוון ירוק שהושם על הפנים הקדמיות של כל קופסה. משחק הגומלין של ג'אד בין צבע וחומר נותןללא שם (מחסנית)אלגנטיות קפדנית שמרככת את האבסולוטיזם המופשט שלה.

צילום: באדיבות CC/Flickr/Rocor

כמו בנגליס, הסה הייתה אמנית שסיננה את הפוסט-מינימליזם דרך פריזמה פמיניסטית שאפשר לטעון. יהודייה שנמלטה מגרמניה הנאצית בילדותה, חקרה צורות אורגניות, ויצרה חלקים בפיברגלס תעשייתי, לטקס וחבל שעוררו עור או בשר, איברי מין וחלקים אחרים בגוף. בהתחשב ברקע שלה, מפתה למצוא זרם תת-קרקעי של טראומה או חרדה בעבודות כמו זו.

צילום: באדיבות המוזיאון לאמנות מודרנית

בעקבות ג'אד ופלווין, קבוצה של אמנים יצאה מהאסתטיקה של הקווים הנקיים של המינימליזם. כחלק מהדור הפוסט-מינימליסטי הזה, ריצ'רד סרה שם את המושג של האובייקט הספציפי על סטרואידים, הגדיל במידה ניכרת את קנה המידה והמשקל שלו, והפך את חוקי הכבידה לאינטגרליים מהרעיון. הוא יצר פעולות איזון מעורפלות של לוחות פלדה או עופרת וצינורות במשקל של טונות, שהשפיעו על הקניית תחושה של איום על העבודה. (בשתי הזדמנויות, חבלנים שהתקינו חלקי Serra נהרגו או נפגעו כשהעבודה קרסה בטעות.) בעשורים האחרונים, העבודה של Serra אימצה עידון עקום שהפך אותה לפופולרית מאוד, אבל בתחילת הדרך, עובד כמו One Ton Prop (House of Cards), הכוללת ארבע צלחות עופרת נשענות זו לזו, העבירה את חששותיו בישירות אכזרית.

צילום: באדיבות CC/Wikimedia Commons/Soren.harward/Robert Smithson

בעקבות המגמה הנגדית הכללית במהלך שנות ה-60 וה-70, החלו אמנים להתקומם נגד המסחריות של עולם הגלריות, ופיתחו צורות אמנות חדשות באופן קיצוני כמו עבודות עפר. הדמות המובילה של הז'אנר, הידועה גם בשם אמנות אדמה, הייתה רוברט סמיתסון (1938–1973), שיחד עם אמנים כמו מייקל הייזר, וולטר דה מריה וג'יימס טורל, יצא למדבריות מערב ארצות הברית כדי ליצור יצירות מונומנטליות פעלו בתיאום עם סביבתם. הגישה הספציפית לאתר הזו, כפי שנקראה, השתמשה לעתים קרובות בחומרים שנלקחו ישירות מהנוף. זה המקרה של סמיתסוןמזח ספירלה, אשר בולט לתוך אגם המלח הגדול של יוטה מ-Rozel Point על החוף הצפון מזרחי של האגם. עשוי מבוץ, גבישי מלח ובזלת המופקים במקום,מידות המזח הספירלי1,500 על 15 רגל. הוא היה שקוע מתחת לאגם במשך עשרות שנים עד שבצורת בתחילת שנות ה-2000 העלתה אותו שוב אל פני השטח. בשנת 2017,מזח ספירלהנקראה יצירת האמנות הרשמית של יוטה.

צילום: באדיבות CC/Wikimedia Commons/FLICKR/Pierre Metivier

עבודת החתימה של האמן יליד צרפת,עַכָּבִישׁנוצרה באמצע שנות ה-90 כאשר בורז'ואה (1911-2010) כבר הייתה בשנות השמונים לחייה. הוא קיים במספר גרסאות בקנה מידה משתנה, כולל כמה שהן מונומנטליות.עַכָּבִישׁנועד כמחווה לאמו של האמן, משחזרת שטיחי קיר (ומכאן הרמז לנטיית העכבישנית לטוויית קורים).

Shutterstock

זוכה פרס טרנר היוקרתי לשנת 1994, אנטוני גורמלי הוא אחד הפסלים העכשוויים המפורסמים ביותר בבריטניה, אך הוא גם ידוע ברחבי העולם בזכות התפיסה הייחודית שלו על אמנות פיגורטיבית, כזו שבה מבוססות וריאציות רחבות בקנה מידה ובסגנון, לרוב, על אותה תבנית: יצוק של גופו של האמן עצמו. זה נכון לגבי האנדרטה המכונפת העצומה הזו שנמצאת ליד העיירה גייטסהד בצפון מזרח אנגליה. ממוקם לאורך כביש מהיר ראשי,מַלְאָךמתנשא לגובה של 66 רגל ומתפרש על פני 177 רגל רוחב מקצה הכנף לקצה הכנף. לפי הגורמלי, העבודה נועדה כמעין סמן סמלי בין העבר התעשייתי של בריטניה (הפסל ממוקם במדינת הפחם של אנגליה, לב המהפכה התעשייתית) לעתידה הפוסט-תעשייתי.

באדיבות CC/Flickr/Richard Howe

נקרא בחיבה "השעועית" על ידי תושבי שיקגו בשל צורתו האליפסואילית הכפופה,שער ענן, מרכז האמנות הציבורי של אניש קאפור עבור פארק המילניום של העיר השנייה, הוא גם יצירות אמנות וגם ארכיטקטורה, ומספק קשת מוכנה לאינסטגרם לעגלות יום ראשון ולמבקרים אחרים בפארק. מיוצר מפלדת מראה,שער ענןהרפלקטיביות של בית הכיף וקנה המידה הגדול הופכים אותו ליצירה הידועה ביותר של קאפור.

באדיבות האמן וגרין נפתלי, ניו יורק

עבודתה של רייצ'ל הריסון משלבת פורמליזם מושלם עם כישרון להחדיר אלמנטים מופשטים לכאורה בעלי משמעויות מרובות, כולל פוליטיות. היא מפקפקת בחריפות במונומנטליות ובפררוגטיבה הגברית הנלווית לכך. הריסון יוצרת את עיקר הפסלים שלה על ידי ערימה וסידור של בלוקים או לוחות של קלקר, לפני שהיא מכסה אותם בשילוב של מלט ופריחה ציורית. הדובדבן שלמעלה הוא סוג של חפץ שנמצא, לבד או בשילוב עם אחרים. דוגמה מצוינת היא בובת הראווה הזו על גבי צורה מוארכת מותזת צבע. לובשת שכמייה ומסכה הפונה לאחור של אברהם לינקולן, העבודה שולחת את תיאוריית ההיסטוריה של האדם הגדול עם העלאתו של כובש העולם העתיק הניצב גבוה על סלע בצבע ליצן..